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日常的 삶과 自然에 대한 讚歌

-宋淑男의 첫 번째 石版畵展에 부쳐-

송숙남이 石版畵 50여 점을 갖고 가슴 설레는 첫 번째 개인전을 마련한다.

이 전시에서 선보일 작품들은 얼핏 어린아이의 그림이나 낙서로 보이는 가볍고 간결한 詩的 형상화들이다. 자유분방한 筆線의 움직임, 치기어린 대상묘사로 전개되는 한 마리 또는 두 마리의 노래하는 새, 어지러이 휘그어진 線으로 이루어진 한 그루 나무와 나뭇가지 끝에 앉아 눈물 흘리는 새 한 마리, 날아가는 비행기의 부분과 그와 경쟁이라도 하듯 종종걸음을 치고 있는 작은 새, 강물 위를 미끄러져 가는 돛단배, 이웃집 아저씨의 초상 등이 그것이다. 작가는 섬세한 감수성과 따뜻한 애정의 눈빛으로 스쳐지나가기 쉬운 일상의 단편들을 포착하여 그들에 대한 아름다움을 소박하게 노래하고 있다.

이렇듯 가벼운 면모는 일면 아마추어적 태도와 심미주의적 표현세계에 머물러있다는 지적의 요소가 될 수 있을 것이다. 그것은 미술가의 책무가 당대 현실에 대한 올바른 인식과 통찰력을 갖고 그에 즉응한 첨예한 감수성과 조형능력으로 새로운 視方式을 제시해야 하는 것이며, 작가가 자폐증적 세계에 머물러 자기만족의 유희성에 빠져있을 때 당대의 공감대를 결여하고 있다는 비판에서 벗어나기 어렵기 때문일 것이다.

그러나 송숙남의 소박한 심미주의는 작가의 형성과정을 돌아볼 때, 단순한 자기만족의 유희성에서 촉발된 것이 아니라 미술의 본래적인 원점에로 돌아가 현대미술이 지루하게 표방해 온 미술이념이나 시대의식의 허구성을 역설적으로 무력화하고자 하는 의지를 시사하고 있는 것임을 알 수 있다. 그녀는 작업 메모 속에서 “무엇을 어떻게 그린다는 것은 큰 문제가 되지 못하며 미술이란 보고 느끼는 정신적 문제”라고 규정하고 있는 것이다. 말하자면 무엇이라는 「주제」의 문제와 어떻게 라는 「표현 방법」에 전전긍긍해 온 나머지 자가당착에 빠져버린 오늘의 미술이 소생할 하나의 테제로써 視知覺을 기초로 한 「정신적」인 것으로써의 미술이 되어야함을 천명하고 있다.

이렇듯 작가가 추구해가야 할 미술에 대한 인식을 갖게 된 것은 무엇보다도 작가자신의 꾸밈 없고 질박한 체질에 기인하고 있는 것으로 보이며, 이는 6년 전 어지러운 한국의 현실사회를 벗어나 「소박한 정신과 단순한 가치관으로 커다란 공동체가 창조적인 분위기를 이끌어 가는 나라」인 아메리카의 유학에서 새삼스러이 감득된 것으로 보인다. 특히 그녀가 정착한 곳이 현대미술의 중심지인 뉴욕이 아니라 캔자스 시였다는 점은 별다른 의미를 가지리라.

「한사람의 사고나 행동양식을 바꿀 수 있는 계기는 커다란 사건에 의해 일어날 수도 있지만 나 자신의 이해와 느낌이 와 닿는 문화 속에서 무던한 세월을 따라 자연스럽게 일어날 수도 있습니다. 밖에는 다람쥐가 원을 그리며 놀고 귀가 쫑긋한 산토끼들이 사람 조심하며 이리저리 숨어 다니고 넓고 푸른 초원의 잔디밭에는 노란 민들레의 향연, 멀리 숲 사이로 보이는 각진 현대식 건물, 그곳에서 철저히 혼자가 되어 자신의 實體를 알고 싶어 하고 자신의 가슴에 담긴 소리를 즐기기 시작하였습니다.」라고 토로하듯이, 한적한 캔자스 주의 전원은 그녀에게 자연과 교감하며 자신의 내면의 본성을 되찾을 계기를 마련하여 주었고, 그것은 새롭게 연마하기 시작한 석판화라는 표현방법을 통해 형상화된다.

목판이나 동판이 파고 긁어내어 상처 입힌 자국을 통해 얻어지는 효과에 의해 이루어진다면 석판은 새기거나 부식시키지 않고 돌의 평평한 상태에 가볍게 문질러 그려내는 것으로 물과 기름의 반발 작용을 이용한 인쇄 방법이라는 점에서 특히 그녀의 체질에 적합했던 듯싶다. 게다가 그린대로 프린팅 되어 자유로운 회화적 표현이 가능한 이 석판화는 평소 구사하던 캐리커처 형식의 드로잉을 마음껏 그려낼 수 있었던 것이다.

예컨대 작품 「마스크88」의 경우 点線으로 하트형의 얼굴윤곽을 그려 넣고, 그 안에 왼쪽의 눈동자는 백색으로 오른쪽의 눈동자는 검게 그리는 대비법을 채용하여 갖가지 변주를 드러낼 수 있는 드로잉의 묘미를 한껏 과시하고 있다. 불과 2호 정도에 불과한 소품을 통해 마스크가 갖는 이중성을 드로잉으로 조형화해가는 수법은 이 작가의 심리적 투사력과 감수성을 유감없이 드러내주고 있는 것이다.

点, 線, 面, 모노톤과 多色의 베리에이션을 자유자재로 즐기면서 속도감 넘치는 筆線, 감정이 뚝뚝 묻어나는 대상묘사, 천진난만한 대상의 독해와 소박한 표현을 통해 탁월한 감응력과 조형능력을 은밀히 과시하고 있으며 이러한 그의 작가적 기량은 장차 풀어갈 그의 작품세계에 풍부한 원천이 되어줄 것을 암시해 주고 있다.

뿐만 아니라 이 작가의 화면 구조에서 돋보이는 것은 단순성과 간결성 그리고 여기에다 생명력을 불어넣을 해학성과 반전의 기법을 들 수 있을 것이다.

그녀의 화면에는 복잡한 이야기의 중복이나 복합적인 구성을 처음부터 배제되며 단일한 모티프 또는 모티프를 대표할 부분이나 파편이 등장하여 모티프의 이미지를 더욱 강하게 어필시켜 주고 있다. 특히 그녀의 작품에 독특한 생명력을 부여해주고 있는 것은 모티프들을 때로는 의인화하고 때로는 해학적으로 왜곡하는 반전의 기법이다. 이렇듯 간결명료하면서도 다양한 분위기를 자아냐는 詩的 形像畵로써의 석판화를 보여주고 있는 것이다.

요컨대 천상병의 시를 사랑하고, 가족들에 대한 정성과 사랑을 아끼지 않는, 송숙남은 외출한 남편을 기다리던 중 날아든 새 한 마리에서, 두 아이가 그어대는 낙서에서, 끊임없이 자극 받으며 자신의 창조적 상상력에 불을 지피고 있는 것이다. 그리고 그들은 연속되는 삶의 송가로 조형화되고 있다.

1991.8.17.

김영순(미술평론가)

Hymm to Everyday Living and Nature

Foreword to Song Sook Nam’s Lithograph Exhibition

With a leaping heart, Song Sook Nam has prepared her first exhibition with some 50 lithographs. The works to be presented are light and concise poetic compositions closely resembling the painting and acrawls of a child. The free, unrestrained movement of the brush strokes catches the eye-one or two birds singing appearin child-like representation, the stump of a tree drawm with grotesque lines with a bird sitting tearfully on top of it, a section of a flying airplane and a small bird running with short, quick paces as if to compete with it, a ferryboat sliding down a river, a portrait of a neighborhood man. The artist grasps slices of everyday life with an exquisite sensibility and a warm and affectionate look, and then sings of their beauty naively.

Ms. Song’s light-hearted hymms may receive the critical comment she is retaining an amateuristic attitude and aesthetic world of expression‎. This is because the artist’s responsibility is to forming a correct recognition and in sight into present-day reality and then for an instant, reply to present a new way of looking at the subject with an acute sensibility and a formative ability. It is also because it is not easy for an artist to avoid the criticism that he or she lacks synchronous sympathy, especially when he or she stays longer in the world of autism and self-satisfying amusement.

But as one looks back on Song Sook Nam’s life as an artist, one will notice that her naive aestheticism is not detonated by contact with simple, self-satisfying amusement. It rather suggests her willingness to return to the starting point of art and make powerless, paradoxical falsehoods of the ideas of art or the current consciousness which contemporary art has professed chaotically. She is prescribing in her notes of work that what and how to paint is not of the utmost importance, but that art is a spiritual experience of seeing and feeling.

Today’s art has fallen into a state of self-contradiction driven by a fear of the matter of “subject” and the method of expression‎. Ms. Song proclaims art as a matter of spirit based on a visual acceptance-a sort of thesis which today’s art has to revive. There seems to be two reasons for her realization of the artist’s responsibility of pursuit in art. It seems to have its origin in Ms. Song herself, in her uncolored and simple character. She may have also regained her consciousness of it while she was studying in America-a place where the social atmosphere of a huge commuity is controled with a plain spirit and simple values-after having left the dizzy realities of Korea six years ago. There must be some particular meaning in the fact that the place where she had been staying was not New York, the center of contemporary art, but rather Kansas city. The pastoral life of sequestered Kansas must have given her an opportunity to communicate with nature and regain her original inner nature. She says that a turning point in which a person’s thought and attitude change may be caused by a big event, but that it is also possible for it to be due to the culture that touches one’s feeling and understanding naturally with the passage of time. “As a squirrel makes a circle at play, and as wild rabbits with ears perked up on the lookout for man are hiding here and there, with a banquet of yellow dandelions in the wide, green prairie, I see square, modern buildings far away among the trees in the distance.” she remembers. “There, completely alone, I came to know about myself-my essence-and I came to start to enjoy hearing the voice that called out from within.”

While in Kansas, Ms. Song started making lithographs-a new media, of expression‎ for her. While woodcutting or engraving is produced from the traces of digging or scratching, lithography, instead of eating into or carving into the surface, is a process employing the slight scrubbing of the flat surface of a stone or plate for it is a chemical printing method utilizing the repulsing effect of water and oils, and it seems to be very congenial to her disposition. Particularly, it allows pictorial Expression‎ to be free. In normal times she must be able to make many caricture drawings freely.

In “Mask 88”, for example, Ms. Song parades at will the subtle charm of drawing in which it is possible to exhibit a large amount of variation by the adaption of contrast. She draws the outline of a heart-shaped face with dots, and then mades an eye on the left white, and one an the right black. In the small work, no more than 24x19cm, by drawing she shapes the dualism of the mask, which fully shows the artist’s penetrating insight and sensibilities. Freely enjoying a monotone or colorful variation of dots, lines, and planes, she secretly shows off her exquisit ability of response and formativeness with swift brush strokes, and vivid representation of the subject as well as naive interpretation and simple expression‎ of subject. This suggests that there are no bounds restricting the capability of the artist as her world of art progresses in the future.

Moreover, the advantages of the structure of her works are simplicity, conciseness, and wit and technique reversal which add liveliness. In her works, dual or mixed composition forming a complex story is excluded from the onset. Instead, a minor motif or some part of a typical motif is exhibited and highlights the image of the motif even more strongly. It is the technique of reversal which personifies and sometimes humorously distorts the subjects and which complements the otherwise dryness of the surface from its simplicity. Her lithographs create a simple and lucid, but varied, atmosphere.

After all, Song Sook Nam loves Chun Sang Byung’s verses and gives all her affection to her husband and children. She is building a fire under her own creative imagination, waiting for her husband to return home while being aroused by a bird which may have flown into the house or by her children’s constant scribblings. These are being formalized in her works as a hymm of ongoing life.

August 17, 1991

Kim Young Soon(Art critic)